silvia

Seriale ma non troppo

#collezionemontelupo

Eccoci di nuovo ad esplorare le collezioni di maioliche del
museo. Questa volta vorrei richiamare la vostra attenzione su un spetto un po
inconsueto, ma affascinante, che riguarda l’organizzazione del lavoro
all’interno delle fornaci rinascimentali.

Sul finire del XV secolo Montelupo era divenuto uno dei
centri di fabbrica più grandi dell’area del mediterraneo, tant’è che ceramiche
provenienti da queste fornaci si trovano in contesti risalenti a quell’epoca in
quasi tutto il mondo allora conosciuto. “Cocci” montelupini sono stati
rinvenuti anche sulle coste del nuovo mondo 
scoperto da Colombo appena pochi anni prima.

Niente avviene per caso, e nemmeno la crescita delle fornaci
montelupine si sottrae a questa regola. Le grandi famiglie di mercanti fiorentini,
intravedendo nel commercio della maiolica una buona possibilità di guadagno
hanno “investito” in questo luogo, e i vasai montelupini, forse stimolati dalle
richieste sempre più pressanti dei mercanti, hanno cercato soluzioni che
permettessero di trarre dal proprio lavoro un po’ più di guadagno.

I nostri vasai infatti nel periodo a cavallo fra i secoli XV
e XVI, svilupparono una grande quantità di motivi decorativi, che si prestavano
ad essere realizzate con un motivo di contorno, che una volta acquisita una
certa manualità, poteva essere eseguito anche dai “ragazzi di bottega”
lasciando al maestro il completamento delle parti più importanti e difficili
del pezzo.

Molte delle decorazione, poi, sono realizzate in modo quasi
seriale, e ad uno sguardo poco attento possono sembrano il risultati di colori
applicati sulle superfici con gesti sempre uguali, in modo da ottenere oggetti
uguali, appunto fabbricati in serie.  Se
guardiamo bene, vediamo invece che ogni pezzo è un “unicum” dove  c’è sempre un piccolo particolare che
distingue un piatto da un altro, un boccale da un altro.

Questa particolarità si ritrova anche in importanti forniture
per le istituzioni fiorentini, come per esempio la fornitura di orcioli ed
utelli per la spezieria di Santa Maria Novella. Chi avesse la voglia di
visitare il museo ospitato a Firenze presso la sede dell’antica spezieria in
via della Scala, troverà una serie di contenitori farmaceutici decorati a
grottesche, che formano un insieme omogeneo fatto, però di maioliche che si differenziano
una dall’altra per tanti particolari decorativi.

Ed ora, TROVATE LE DIFFERENZE!

Alessio Ferrari

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by silvia

Il segno del Podesta

#monteluponelmondo

Prosegue il
nostro viaggio alla scoperta delle più belle maioliche montelupine conservate
in collezioni pubbliche e private internazionali, opere di abili maestri che
hanno lavorato per le più importanti committenze fiorentine, e non solo.

Rimaniamo in terra di Francia, con un esemplare conservato al Museo Nazionale della Ceramica di Sèvres. ma cambiamo decisamente genere rispetto alla prima maiolica „straniera“ presentata sul nostro blog. Questa elegante targa murale è datata 4 gennaio 1478, ma un occhio attento osserva dipinto 1477 nello stile fiorentino detto "dell'incarnazione", ossia nell‘originale sistema cronologico  - citato nei documenti con la formula "ab incarnatione Domini" - che pone l'inizio dell'anno al concepimento di Cristo, cioè al 25 marzo, festa dell'Annunciazione. Quello fiorentino era certamente il più diffuso, e ritardava di due mesi e ventiquattro giorni il computo moderno (dal 31 dicembre al 25 marzo).

La nostra
targa si distingue per la particolare configurazione a "testa di
cavallo" (così viene infatti denominata), una forma araldica tipica del
tardo-quattrocento.

Nel
cartiglio in alto è riportato il nome di Nicola Corsini, che evidentemente
commissionò e poi collocò questa lastra in una composizione araldica allestita
in facciata o all'interno di un palazzo pubblico del Contado fiorentino.
Probabilmente proprio nel luogo ove esercitò le funzioni di governo, con la
carica di podestà o di vicario.

La targa
montelupina è fra le più antiche testimonianze di questo genere, a carattere
pubblico, caratterizzata dalla presenza di angeli reggistemma, con fitti
riempitivi stilizzati di gusto levantino a papavero oppiaceo. Delle figure
angeliche fluttuanti colpisce la tonalità in blu coibalto che dà forte consistenza
ai corpi, quasi innaturale. Qui il pittore spinge molto sulla volumetria, forse
perchè il pezzo doveva essere visto da una certa distanza. Al di là delle
tonalità e delle sfumature cromatiche, rimane la ricerca del tutto fiorentina
di un realismo pittorico nella raffigurazione - realizzata con la
"tavolozza fredda", una monocromia intervallata dall’impiego nelle
parti secondarie del verde, del bruno e del giallo che, fondendosi con
l’azzurro dominante creano un effetto in visione notturna -, in uno spazio
indefinito e senza tempo, che rende questi prodotti ancora di "sapore
medievale".

(Red.)

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by silvia

Il drago che non c'è

#collezionemontelupo

Eccoci ancora ad illustrare alcune delle tante maioliche che
costituiscono la collezione del nostro museo. Questa volta prenderemo in considerazione
un bellissimo piatto, fabbricato nelle fornaci montelupine a cavallo fra il
finire del XV secolo e l'inizio del secolo successivo.

Si tratta di un piatto dalle dimensioni notevoli, il cui
diametro massimo misura 34 cm.

La decorazione segue ormai i canoni rinascimentali, infatti
il piatto è diviso in due settori, uno dedicato alla decorazione centrale, e
l'altro per il decoro di contorno , separati da un un sottile filetto blu sulla
parte esterna, a cui si aggiunge a breve distanza,  un altro  filetto, ma questa volta più spesso, sempre in
blu.

La tipologia decorativa è quella detta “Armi e trofei”,
decoro elaborato dagli artefici montelupini, che bene si distingue dai decori
consimili di altri centri di fabbrica.

I vasai  montelupini,
hanno privilegiato la policromia, tralasciando la rigorosità della
rappresentazione grafica, ed hanno così trasformato una composizione di spade,
elmi, corazze e scudi, in un qualcosa di meno definito ma molto più colorato.
Gli scudi appaiono come delle macchie gialle bordate di rosso, con al centro un
ovale blu , che per quasi tre quarti è riempito dello stesso colore, mentre la
parte residua ha chiaramente il colore bianco dello smalto di fondo. Gli scudi
in numero di quattro, disposti sulla tesa del piatto, sono intercalati da
quattro ovali arancio delle stesse dimensioni. Gli ovali sono bordati di blu,
ed al centro portano un elmo realizzato in blu e manganese, che riempie quasi
tutto l'ovale.

La scena centrale presenta un cavaliere con elmo, armatura e
lancia, che su un cavallo bardato con finiture rosse, leggermente impennato.

La scena si svolge  su
di un prato,  lo spazio è poi delimitato
da due alberelli piuttosto esili, ed infini in alto è posto il blu del
cielo.  Sembra proprio la
rappresentazione di San Guiorgio, indfatti la tradizione popolare lo raffigura
come il cavaliere che affronta il drago, simbolo della fede intrepida che
trionfa sulla forza del maligno, solo che nel nostro piatto il drago non c'è, o
almeno, si vede un qualcosa di non molto definito, dove sparisce la punta della
lancia del cavaliere, che il drago lo fa intuire più che vedere.

A me piace pensare che il nostro pittore abbia inventato, per così dire, i “piatti a puntate”.

Forse il drago è sul piatto “successivo”, quasi che si
trattasse di un moderno fumetto in cui la storia si succede da una tavola a
quella successiva.

Alessio Ferrari

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by silvia

Eugenio Taccini, over 70

#vitediceramica

Nella
mia mente, più ancora che per altri personaggi, l'immagine di Eugenio Taccini è
disegnata con due inchiostri di diverso colore, uno per la persona, l'altro per
il ceramista. E sono entrambi ricordi molto cari, anche perché hanno il profumo
della mia giovinezza.

So
bene che un ritratto, anche se a memoria, dovrebbe iniziare da alcuni dati
biografici obbligati ma lascio ad altri questo fondamentale compito.

“Del
Taccini” ne devo parlare in altro modo. A mia discolpa c'è da dire che la
storia di questo maestro non è ancora entrata nell'Archivio della Memoria del
Centro Ceramico Sperimentale. Vediamo però se alla fine ne uscirà comunque un
bozzetto riconoscibile e “parlante”.

Eugenio,
ovunque abbia vissuto i suoi giorni – in fabbrica, in famiglia, nella sala da
ballo, nel partito, nell'Associazione Artigiani, in Comune, in bicicletta, a
giro per il mondo come ambasciatore dell'arte ceramica di Montelupo – è stato
un personaggio della commedia dell'arte, una maschera con il dono di far
coincidere l'attore-produttore con il personaggio-prodotto. Guardate i suoi
“Arlecchini”, ma anche gli oggetti e i soggetti degli ambienti del suo
figurato, sono esattamente come la sua mente vede la realtà. Tra i nostri
artigiani-artisti della ceramica è un caso veramente unico di identificazione
tra artista, opere e linguaggio. Nel lungo periodo degli “Arlecchini” Eugenio
si è sempre distinto perché i suoi soggetti – uomini, animali, cose e paesaggi
– assomigliavano a lui. Che differenza c'era tra i loro copricapi e la sua
copiosa capigliatura spesso lasciata in libertà? E il suo modo ampio e sciolto
anche se rapido e imprevedibile di muovere le braccia soprattutto se un po'
eccitato non assomigliano al gesto libero, sciolto e apparentemente casuale di
come si fa volare il pennello quando si dipingono i figurati di Montelupo? E i
discutibili – anatomicamente parlando – cavalli del figurato montelupino erano
davvero molto diversi dalla sua discutibile Citroën tenuta insieme dal nastro
adesivo, all'epoca new entry nella nostra quotidianità? Lo Scotch®, il nastro
adesivo per antonomasia, diventò lo strumento principe della sua innata
ingegnosità artigiana per risolvere ogni problema che non fosse legato alla
ceramica. E, credetemi, la 3M avrebbe fatto bene a studiare il caso; ne sarebbe
uscita una poderosa campagna di comunicazione pubblicitaria, tante e
incredibili erano le sue “trovate”. La sua Dyane era piena di “anime vuote” dei
rotoli finiti.

I
suoi “Arlecchini” non sono mai stati copie degli originali tardo
cinquecenteschi. Altri, molto meglio di lui, hanno fatto copie in grado anche
di ingannare antiquari e collezionisti che pure Eugenio conosceva bene, a
partire dal primo valorizzatore della ceramica di Montelupo - anche se definito
solo “contado di Firenze” - il grande Galeazzo Cora al quale, da “ragazzaccio”
sul Castello, vendeva i cocci – anche quelli degli “Arlecchini”- che
affioravano “a corbelli” sotto le verdure negli orti castellani.

In
quegli orti, appunto, gli “Arlecchini” incontrati da ragazzino diventarono una
multicolore “lente a contatto” attraverso la quale, da allora in poi, vide il
mondo, la gente, le cose, l'ambiente, la vita. Ecco perché l'Arlecchinese
diventò il suo personale idioma narrativo.

I
boccali, le tazzine da caffè e i posacenere per Christian Dior, i piatti, le
basi lampada e via ceramicando altro non erano che le tele su cui dipingeva
questo mondo interiore che aveva bisogno di non essere mai uguale e di volare
con tratto veloce e spontaneo, non importa se infedele ad ogni canone storico
ed estetico. Eugenio non ha mai fatto copie, è stato semmai un narratore di
storie a fumetti in “Arlecchinese”. A lui, purtroppo, è mancato – finora –
l'autore dei testi, delle storie, il narratore Goscinny che invece era stato il
partner artistico di Uderzo, il padre-disegnatore di Asterix e Obelix. Già,
altra coincidenza, l'abbondante ciuffo biondo del Taccini era uguale a quello
di Asterix!

Devo
dire che anche ad almeno un altro grande ceramista contemporaneo di Montelupo è
mancato un partner narratore che gli proponesse storie da ceramicare.

Che
dire poi del lungo periodo pinocchiesco e infine ciclistico? Guardate come
cammina, un po' anchilosato, a scatti morbidi, come un Pinocchio evoluto, già
nella fase di passaggio dal profumato legno di pino alla elastica ma meno
duratura carne umana.

Disegnatelo
come sta in bicicletta e farete un'illustrazione originale per la prossima  edizione del Collodi.

È
sempre lui, Pinocchio che non sopporta le regole e le prepotenze, Pinocchio che
viaggia e che cerca la vita fuori dalla realtà della sua casa, della bottega
del babbo, che fa tanti errori e poi li paga, Pinocchio che crede in cose che
poi si rivelano inganni, ideali bellissimi che poi si trasformano in cose
orribili. Ma questa è un po' la storia di molti di noi, simili a Pinocchio,
simili “al Taccini”.

Una
personalità complessa, allegro ma anche terribilmente serio, amichevole ma
anche tranchant, capace di passare da un registro all'altro con rapidità e
disarmante naturalezza.  Analisi profonde
e articolate che finiscono molto alla svelta in sintesi repentine, nette e
senza ambiguità, senza averci dato modo di arrivare preparati a quelle
conclusioni. Eugenio argomenta con la stessa rapidità con cui agisce un
commando in un blitz di guerra.

Certo,
per essere stato un militante di partito, un dirigente politico in
un'associazione imprenditoriale, un consigliere comunale, possiede anche la
capacità di arrotondare gli spigoli, altrimenti definita “capacità di
mediazione”. Ma questo appartiene più alla necessità che alla vocazione, più
alla forma che alla sostanza. Lo rivelano prima che le parole la sua
straordinaria mimica della faccia e del corpo quando lui cerca di mascherare il
suo pensiero prima che esca, irrimediabilmente, dalla bocca ma che mostrano la
sofferenza della tortura che in quel momento sta infliggendo a sé stesso.

Acerrimo
nemico dell'ordine, dell'esattezza e della rigida precisione, ha sempre corso
in “Formula zero” o meglio, in “Zero formule”, tanto che lui stesso con
riuscirebbe a dirvi la composizione di una delle infinite e sempre nuove
miscele di smalti, colori, cristalline, fondenti, pigmenti e chissà cos'altro,
che usa per realizzare i magnifici effetti delle superfici a spessore sulle
quali la luce può giocare libera sulle dune cangianti, mai uguali, come
un'aurora boreale. Non a caso Van Gogh!

Il
collante di tutte le facce umane, artistiche, sociali e professionali di questo
uomo-maschera-artista-ceramista è la sua libertà.

Come
poteva, così costruito, questo buon toscanaccio, sopportare una “società”?

“Le
società stanno bene in dispari, e tre son troppi”, figuriamoci in quattro! Come
poteva un cervello ribollente come il suo sottostare alla dura routine della
fabbrica? D'altro canto, come poteva una “ditta”,ingranaggio obbediente
dell'inesorabile orologio dell'economia di mercato, ammortizzare le
irregolarità di una rotellina ribelle? Come se in un orologio un ingranaggio
decidesse di prendersi una pausa o di girare all'incontro o una molla volesse
sgranchirsi le spirali un po' intorpidite. Questo, o per lo meno, anche questo
è Eugenio Taccini. Ve l'ho raccontato perché non si può comprendere
l'artista-ceramista e la sua opera se non si conosce, almeno un po', l'uomo.

Ho
chiesto a Eugenio di cimentarsi – oggi – con una nuova impresa, quella della consapevolezza
del suo linguaggio narrativo al fine di svilupparlo verso nuove estensioni, di
spiegarlo, di documentarlo e di trasmetterlo agli allievi nella nostra scuola
di ceramica che vuole essere “La Corale dei Ceramisti di Montelupo”. Maestri
che cantano in Ceramichese, la lingua più diffusa e antica della terra.

Ti aspettiamo alla scuola, Eugenio, come Testimone del nostro tempo e come Maestro di linguaggio e di espressione.

Paolo Pinelli

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by silvia

Il nobile "Quartone"

#monteluponelmondo

Molte maioliche montelupine, anche fra le più raffinate, sono conservate in diverse collezioni  pubbliche e private internazionali. Da Berlino a Parigi, da Città del Capo a New York, la ceramica montelupina d'interesse antiquariale ha, in qualche misura, raggiunto le stesse mete del passato, quando, grazie all’attività dei mercanti fiorentini del XV e XVI secolo, è stata una delle produzioni più esportate nel mondo allora conosciuto. Ed è innegabile che all’internazionalizzazione dell’immagine di Firenze, e delle sue grandi famiglie, abbia contribuito anche la diffusione della ceramica di Montelupo, con i suoi simboli e i suoi inconfondibili colori.

Con questa rubrica vogliamo
soffermarci su un'importante serie di maioliche prodotte a Montelupo in tempi
diversi, che oggi fanno bella vista nelle raccolte straniere, e che illustrano
le qualità artistiche raggiunte dalle maestranze affacciate sull'Arno.

Questo grande e colorato
boccale datato 1544, un "quartone" toscano, mostra lo stemma della
famiglia fiorentina dei Brandi; questo è fiancheggiato da due cornucopie
tipiche della decorazione "a grottesca", in gran voga nel XVI secolo.
La maiolica, conservata al Victoria and Albert Museum di Londra, è stata
evidentemente commissionata per esaltare l'insegna araldica della casata.
Rispetto al secolo precedente, nel pieno Cinquecento si ricerca una maggiore
esuberanza decorativa con l'ausilio di serrati ornati e di elementi accessori
(in questo caso la cornucopia), già dal sapore barocco, aspetto che finisce col
ridurre l'equilibrio della composizione araldica.

I "quarti" e i
"quartoni" sono le forme più grandi della tavola fiorentina, in
quanto avevano la capacità di contenere oltre sei litri nel cosiddetto
"gioco d'orcioli", ossia di un gruppo di sei boccali che, a iniziare
dal piccolo "quartuccio", comprendeva tutte le varianti dimensionali
del principale versatore da mensa. Il "gioco d'orcioli" si
distingueva per un decoro organico e raffinato, particolarmente adatto alle
forniture araldiche; il "quartone", in particolare, svolgeva un ruolo
dominante, ed era inteso come il pezzo più rappresentativo. Da qui l'idea per i
ceramisti di forzare la sua decorazione, con l'intento di renderla il più
possibile efficace a sottolineare l'insegna nobiliare.  

(Red.)

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by silvia